Die Ausstellung repräsentiert ein innovatives Konzept, bei dem verschiedene künstlerische Paradigmen aufeinandertreffen, um eine facettenreiche und dynamische Darstellung zeitgenössischer Kunst zu schaffen. Wir verdeutlichen die Diversität künstlerischer Ausdrucksformen und ermöglichen gleichzeitig eine synchrone Resonanz zwischen den verschiedenen Stilrichtungen.

Gezeigt werden Malerei, Plastik und Konzeptkunst.

In der aktuellen Ausstellung "Justin Bower: Capturing The Digital Identity“ präsentiert der renommierte US-amerikanische Künstler Justin Bower eine innovative Verschmelzung von traditioneller Malerei und zeitgenössischer Auseinandersetzung mit der digitalen Sphäre.

Bowers Werke setzen sich substanziell mit dem Schnittpunkt von Mensch und Technologie auseinander, wobei er bewusst die Grenzen der konventionellen Porträtmalerei überschreitet. Der Künstler nutzt seine Leinwand als Reflexionsfläche für die durchdringenden Auswirkungen der Digitalisierung auf individuelle Identitäten.

Die Abstraktion der Formen und die dynamische Farbpalette in Bowers Arbeiten dienen dazu, nicht nur äußere Erscheinungsformen zu erfassen, sondern auch die unsichtbaren Netzwerke und Strukturen der digitalen Realität einzufangen. Dabei fungiert die Technologie nicht nur als Werkzeug, sondern als integraler Bestandteil des kreativen Prozesses.

Jedes Gemälde in dieser Ausstellung kann als explorative Studie betrachtet werden, die die Vielschichtigkeit menschlicher Emotionen im digitalen Zeitalter veranschaulicht. Die Verwendung von Technologie als Ausdrucksmittel ermöglicht Bower, über das traditionelle Verständnis von Porträtmalerei hinauszugehen und eine zeitgenössische Erzählung über die digitale Seele zu schaffen.

Die Ausstellung lädt dazu ein, nicht nur die ästhetische Komplexität der Werke zu schätzen, sondern auch tiefgreifendere Fragen über die Auswirkungen der Digitalisierung auf unsere Selbstwahrnehmung und -darstellung zu stellen. Bowers Kunst fordert die Betrachter*innen heraus, sich in der Schnittstelle von Mensch und Maschine neu zu positionieren und die transformierende Kraft der Technologie auf die Kunst zu reflektieren.

Gezeigt werden 10 neue Ölgemälde, die eigens für diese Ausstellung entstanden sind. Als besonderes Highlight werden neben den Bower-typischen Großformaten, ebenfalls kleinere Werke ausgestellt sein. Gerne senden wir weitere Informationen zu den verfügbaren Größen auf Anfrage zu.

Laufzeit: bis zum 17. Februar 2024

"The New Abstraction" bezeichnet eine Strömung der Zeitgenössischen Kunst, bei der Künstler*Innen von der traditionellen Abbildung von Gegenständen und Formen abweichen und sich stattdessen auf abstrakte Darstellungen konzentrieren. Diese Bewegung hat in den letzten Jahrzehnten an Einfluss gewonnen und umfasst verschiedene künstlerische Ansätze und Techniken. Sie zeigt sich durch eine Vielfalt von Ausdrucksformen, die häufig auf der Verwendung unterschiedlicher Medien und Materialien basieren. Die Künstler*Innen streben danach, komplexe Kompositionen zu schaffen, die sowohl emotionale als auch intellektuelle Reaktionen in uns hervorrufen. Sie lassen sich von verschiedenen kulturellen Einflüssen inspirieren und verbinden unterschiedliche Stile, wodurch eine Vielfalt an Stimmen und Perspektiven entsteht, die die Komplexität unserer heutigen Gesellschaft widerspiegelt.

Ein wesentliches Merkmal dieser Bewegung ist die besondere Bedeutung von Farbe, Textur und Oberfläche. Künstler*Innen experimentieren mit verschiedenen Techniken, um interessante visuelle Effekte zu erzielen - dies kann beispielsweise durch das Überlagern von Farbschichten, den Einsatz unkonventioneller Materialien oder die Erweiterung des Rahmens oder der Leinwandgrenzen erreicht werden. 
Ebenfalls ein zentraler Faktor der "Neuen Abstraktion" ist die Einbeziehung des Betrachters/der Betrachterin in den künstlerischen Prozess. Durch interaktive Installationen oder den Einsatz digitaler Technologien schaffen Künstler*Innen eine direkte Verbindung zwischen dem Kunstwerk und dem Publikum. Dies ermöglicht es uns, das Kunstwerk auf persönliche und individuelle Weise zu erfahren und zu interpretieren.

Sali Muller ist eine zeitgenössische Künstlerin, die im Kontext der "New Abstraction" eine wichtige Rolle einnimmt. Ihre Kunstwerke zeichnen sich durch eine kraftvolle abstrakte Sprache aus, die uns in eine introspektive und meditative Welt entführt.
Mullers Werke bestechen durch eine gekonnte Kombination von Formen, Linien und Farben. Sie verwendet abstrakte Elemente, um eine visuelle Harmonie zu schaffen und uns eine emotionale Reaktion zu entlockt. Durch subtile Variationen von Farbtönen und Texturen schafft sie eine tiefe Sinnlichkeit in ihren Kompositionen, die sie durch ihre unverkennbare Präzision und Klarheit ergänzt. Sie verwendet geometrische Elemente, um eine gewisse Ordnung und Struktur in ihren abstrakten Werken zu erzeugen; lässt jedoch genügend Freiraum für Interpretation und individuelle Wahrnehmung.

Mit ihren Kunstwerken hat Sali Muller einen wichtigen Beitrag zur Entwicklung der "Neuen Abstraktion" geleistet - sie zeigt, wie abstrakte Kunst eine tiefe Wirkung entfalten und uns auf einer emotionalen und intellektuellen Ebene ansprechen kann. Ihre Kunstwerke laden dazu ein, die Grenzen des Verständnisses von Abstraktion zu erweitern und die vielfältigen Möglichkeiten der visuellen Ausdrucksformen zu erkunden.
 

Kyle A. Dunn ist ein US-amerikanischer Ultra-Contemporary Künstler, dessen Werke sich durch ihre optischen Täuschungen und visuellen Effekte, die durch die Anordnung von kontrastierenden Farben, Linien und Formen erzeugt werden, auszeichnen. Er schafft wiederkehrende Muster und repetitive Strukturen, die uns eine illusionäre Bewegung oder Vibration vermitteln.

In seinem neusten Werk "Internal Dialogue", welches erstmalig in dieser Ausstellung zu sehen sein wird, nutzt Dunn die Kontrastfarben Schwarz und Weiß, um eine optische Spannung zu erzeugen. Durch die präzise Platzierung und Abstufung von Linien und Formen erzeugt er eine faszinierende Dynamik auf der Bildfläche.

Dunns Gemälde laden dazu ein, den Prozess der Wahrnehmung zu erforschen und die Grenzen des Sehens herauszufordern. Sie spielen mit der Art und Weise, wie unser Gehirn Muster und Formen verarbeitet und erzeugen dadurch eine einzigartige ästhetische Erfahrung. Seine Werke sind nicht nur visuell beeindruckend, sondern regen auch zum Nachdenken über die Natur der Wahrnehmung und der Realität an.

Sali Muller & Kyle A. Dunn
"The New Abstraction"

Wir begrüßen den Sommeranfang mit unseren “Contemporary Days ´23. Vom 09.-12. Juni zeigen wir neue Werke von Justin Bower (USA), Sali Muller (Luxenburg) und Kyle Dunn (USA).

Wir freuen uns auf unsere erste Ausstellung mit dem polnischen Maler und Bildhauer Igor Dorbrowolski (*1987, Jelena Góra). 
Der durch seine monumentalen Silber- & Metallreliefe bekannt geworden Künstler, fokussiert sich in seinen neuen Werken auf die Skulptur im dreidimensionalen Raum und ergänzt mit ihnen sein künstlerisches Schaffen.
Dorbrowolski befasst sich in seinen Werken mit zentralen gesellschaftspolitischen Themen wie sozialer Ungerechtigkeit, Diskriminierung sowie Flucht und Vertreibung. Nicht selten referiert er auf einschneidende Erlebnisse, die zu einem kollektiven Trauma geworden sind - ausgelöst durch Gewalt, humanitäre Katastrophen oder Krieg. Konträr zu diesen Themen steht das gewählte Material und der Umgang mit jenem. So wirken die auf der polierten Bronze oder Silber hinterlassenen Kritzeleien weniger bedrohlich, werden sie doch durch das scheinende Licht und die geformten Kristalle reflektiert und schaffen so einen Moment der Schönheit. Die dominante Bildsprache wird durch den entstandenen Glanz durch Hoffnung ergänzt und formt so ein facettenreiches, ausdrucksstarkes Gesamtkunstwerk. 
Der Künstler selbst beschreibt die Entwicklung der zweidimensionalen Wandarbeit hin zur Skulptur im dreidimensionalen Raum als Verstärkung seiner femininen Ausdrucksebene:

"In the process of discovering myself, I have revealed some strong psychological figures (Child Side, Feminine Side, Tyrannical Side, Contemporary Side). I noticed that some paths went entirely differently when designing or thinking about new works.
For example, the process of creating oil paintings was utterly different from the process of creating sculptures.The process of creating sculptures also differed from the design of bas-reliefs. I asked myself why the sculptures appeared in my head without much effort and why I feel completely different when I think about paintings and bas-reliefs. Now I am convinced that there are different psychological sides to me. When I’im designing sculptures, I do it from the female side (Feminine Side).
In my sculptures, you can feel a lot of emotion, expression, grace, and emotional awareness. I noticed that my reliefs are being made on the Tyrannical side. You can see in the "brutalism" angular, sharp shapes and a monochrome palette of colors. I have known for a long time that there is an extremely childlike side to me.One of the most critical moments in my artistic process was when I started to paint with only my left hand. This process consumed me. I was in a trance. I forgot about time and barriers literally as a child. It was and still is a powerful experience. I have unknowingly tried to include all my sites in oil paintings (contemporary side). I tried to convey a political and social message, a childlike character, emotions, a certain style, etc. However, from now on, I will explore individual projects as separate psychological sides/figures. I will not force them together. I will allow them to create as separate entities. 
It is one of the most important discoveries in my artistic career so far."

(Igor Dobrowolski, 2023)

Ausgestellt werden Skulpturen, Reliefe sowie Ölgemälde.

Wir fokussieren uns in dieser Show auf junge künstlerische Positionen, denen unterschiedliche kulturgeschichtliche Hintergründe zugrunde liegen. Ausgestellt werden neue Werke von Kyle Dunn (USA), Joshua Adokuru (Nigeria), J.H. Iversen (Dänemark), Sali Muller (Luxemburg) und Justin Bower (USA). Trotz der Vielfalt dieser Künstlser*Innen ergibt sich ein auffällig harmonisches Gesamtkonzept, dass beispielhaft für eine neue, aufstrebende Generation ist.

Ultra Contemporary Art bezeichnet vornhemlich Künstler*Innen, die jünger als 45 Jahre sind und spiegelt einen neuen Zeitgeist im aktuellen Kunstgeschehen wider. Nicht zuletzt Marktanalysen für das Jahr 2022 zeigen, dass dieser Sektor der am stärksten boomende ist. So stieg der Umsatz von Ultra Contemporary Künstler*Innen bei den renommierten Auktionshäusern um 28% (Vgl. Juni ´21-Juli´22; Umsatz in diesem Sektor: 420 Millionen USD) - eine deutliche Entwicklung und ein Kompliment an diese junge Kunst, die vor allem durch die Überwindung der Grenzen von Figuration und Abstraktion sehr begehrt ist. Dies ist der ausschlaggebende Grund, warum wir uns dazu entschlossen haben, auch neue Werke von Justin Bower (*1975) in diese Ausstellung zu integrieren. Er steht wie kaum ein anderer Künstler/eine andere Künstlerin seiner Generation für genau diese Überwindung von Grenzen. Seine Werke schweben zwischen Figuration und Abstraktion; sie sind grenzenlos, jedoch niemals verloren und somit Impulsgeber einer neuen Stilrichtung.

Die Werke von Mike MacKeldey befreien sich von ikonographischen Bezügen; sie wollen nicht intellektuell erschlossen werden oder setzen ein umfangreiches, kunsthistorisches Wissen voraus. Sie sind offen, frei und vollkommen losgelöst. Sie laden uns förmlich ein, sich mit ihnen zu befassen, sie zu erfahren und auf Erkundungstour durch die Wunderkammer, die sie öffnen, zu gehen.

Die Debatte über die Biografisierung von Werken ist im kunstwissenschaftlichen Diskurs allgegenwärtig. Erschließen sich manche Kunstwerke vollkommen ohne biografischen Hintergrund, öffnen sich andere erst, nachdem man sich mit dem Künstler/der Künstlerin und seinem/ihrem Leben beschäftigt. Mike MacKeldey´s Werke gehen über die Biografisierung hinaus, da sie nicht nur Verweise auf Lebensabschnitte, Erfahrungen oder Traumata bieten; sie sind vielmehr eine Offenlegung der tiefen Empfindungen und der sensiblen Seele des Künstlers.

Seine Werke enthalten Chiffren, die unverständlich scheinen und zusammenhangslos. Wir nehmen sie wahr, können jedoch den wirklichen Hintergrund und deren Bedeutung nur vermuten oder bleiben gar vollkommen unwissend. Fragt man den Künstler jedoch, was hinter dem rosafarbenen Herzen (Vgl. "Baron Suppe", Öl auf Leinwand/Holz, 2022.) steckt, so bekommt man eine Antwort, die sinnbildhaft für alle seine kleinen Nachrichten ist, die er in seinen Werken versteckt. So waren die Herzen schon immer Bestandteil seiner Kunst, auch wenn er diese nur einem sehr kleinen Kreis zeigte. Die Herzen befanden sich stets auf der Rückseite der Leinwand – unsichtbar für den Betrachter – und waren nur für diejenigen bestimmt, die das Werk aufhängten.

Eine kleine Aufmerksamkeit, die vielleicht auch mal unentdeckt blieb, jedoch wenn man sie fand, ein Lächeln in´s Gesicht zauberte. Diese Nahbarkeit, die in seinen frühen Werken für den Betrachter unsichtbar blieb, findet nun ihren Platz auf der Vorderseite der Leinwand.

Wurden seinen früheren Werken oftmals eine Aufforderung zur Irritation zugeschrieben, scheint es nun vielmehr so, als wolle er uns einladen und die Hand reichen. Seine Werke fesseln, ohne den Anspruch zu erheben, ehrfürchtig zu sein. Die Ehrfurcht weicht einer Zugänglichkeit, die begleitet wird von Lebenslust und Heiterkeit. Seine Werke wirken auch ohne biografischen Bezug beeindruckend und faszinierend; jedoch begreift man durch kleine autobiografische Anekdoten, warum.

An dieser Stelle manifestiert sich ein Geniebegriff, der geprägt ist von der subjektiven Faszination, die wiederum nicht mit Worten erklärt werden kann. 

Die auratische Schönheit des Werkes im Zusammenspiel mit einer lebensnahen Erklärung, bilden das Fundament dieses Geniebegriffes. 

Die Werke von Sali Muller (*1982 Luxemburg, Conceptual Art/Ultra Contemporary) und Johannes Holt Iversen (*1989 Dänemark, Light and Space/Contemporary) bewegen sich im dreidimensionalen Raum zwischen dem flächigen Objekt, dem räumlichen Licht und dem Betrachter/der Betrachterin. Sowohl das Licht als auch der Betrachter/die Betrachterin verändern durch ihre Einwirkung das Objekt signifikant und bilden so eine Einheit, die untrennbar miteinander verwoben ist.

Die Arbeiten von Muller und Holt Iversen gehen über die Wahrnehmung des bloßen Auges hinaus und ergänzen diese durch den Moment der Bewegung.

Erst durch den Einfluss des Lichtes zeigen sich die Intentionen der Künstler*Innen, die hinter jedem der Werke stehen – Kanten, Ebenen und Rundungen werden erkennbar und reflektieren die Lichtstrahlen im Raum; Farben werden erst durch das Licht sichtbar und verändern sich mit dessen Bewegung. Es entstehen Kunstwerke, welche nicht durch ihre physische Form begrenzt sind, sondern den Raum miteinbeziehen und diesen durch den immateriellen Bewegungszustandes des Lichtes verändern und in neue Gestalt tauchen.

Während das Licht das Kunstwerk optisch im Raum erweitert und seine zahllosen Facetten zum Vorschein bringt, partizipiert der Betrachter/die Betrachterin durch seine/ihre Bewegung mit eben diesem und ruft so eine visuelle, rein subjektive Veränderung hervor. Mit jeder Bewegung; mit jeder Veränderung des Abstandes oder Höhe der Betrachtung, verändert das Objekt sich in Form, Farbe und Intensität.

Der in Los Angeles arbeitende Künstler Justin Bower wurde bisher in zahlreichen Einzelausstellungen in Galerien und Museen weltweit gezeigt. Bedeutende Sammlungen haben seine Werke bereits aufgenommen. Stilistisch wird seine Kunst als Disrupted Realism beschrieben. 

Die Gemälde von Justin Bower sind Bilder unserer Gegenwart. Wie kaum ein anderer zeitgenössischer Künstler versteht er es, unseren Bezug zum Digitalen zu verbildlichen. In welchem Verhältnis stehen unsere reale und unsere digitale Identität? Sind sie überhaupt voneinander zu trennen oder unauflöslich miteinander verwoben?  Spalten wir uns auf in mehrere Darstellungsweisen unseres Selbst? 

Die Figuren in Justin Bower’s Bildern verraten uns nicht viel über ihre Identität oder Individualität. Vielmehr sind sie in ihrer Vielzahl geeint und machen deutlich- das Thema seiner Arbeiten ist ein strukturelles; eines, das nicht nur den Einzelnen betrifft.  Obwohl sie gespalten, durchbrochen und gedoppelt sind, scheint ihr Blick beständig zu bleiben, uns fest im Griff zu haben oder suchend aus dem Bildraum zu schauen. Sie hypnotisieren uns, obwohl sie vielleicht selbst ihren festen Bezugsrahmen verloren haben.  Justin Bower’s farbintensiver Kommentar zur Gegenwart findet auf dem Kunstmarkt großen Anklang. Ausgezeichnet durch die Aufnahme in den Katalog des Auktionshauses Christie‘s, erreichte er zuletzt für sein Werk The Magician auf Anhieb ein Vielfaches des Schätzpreises und ist somit in der Riege der ausgewiesenen Gegenwartskünstler angelangt.